Sistema di studio

Il sistema di studio (che è stato utilizzato durante un periodo noto come Golden Age of Hollywood ) è un metodo di produzione e distribuzione cinematografica dominato da un piccolo numero di studi "maggiori" di Hollywood. Sebbene il termine sia ancora usato oggi come riferimento ai sistemi e all'uscita dei principali studi, storicamente il termine si riferisce alla pratica di grandi studi cinematografici tra gli anni 1920 e 1960 di (a) produrre film principalmente sui propri lotti di produzione con personale creativo con contratto spesso a lungo termine, e (b) che domina la mostra attraverso l'integrazione verticale, vale a dire la proprietà o il controllo effettivo dei distributori e della mostra, garantendo ulteriori vendite di film attraverso tecniche di prenotazione manipolative come la prenotazione a blocchi.

Il sistema di studio fu contestato dalle leggi antitrust in una sentenza della Corte Suprema del 1948 che cercava di separare la produzione dalla distribuzione e dall'esibizione e pose fine a tali pratiche, accelerando così la fine del sistema di studio. Nel 1954, con la televisione in competizione per il pubblico e gli ultimi collegamenti operativi tra un grande studio di produzione e una catena teatrale interrotta, l'era storica del sistema di studio era finita.

Il periodo che va dall'introduzione del suono all'inizio della fine del sistema di studio, 1927-1948, viene definito da alcuni storici del cinema l'età d'oro di Hollywood. L'Età dell'Oro è una distinzione puramente tecnica e da non confondere con lo stile della critica cinematografica noto come cinema classico di Hollywood, uno stile di film americano che si è sviluppato dal 1917 al 1963 e lo caratterizza ancora oggi. Durante la cosiddetta Golden Age, otto compagnie costituirono i principali studi che promulgarono il sistema degli studi di Hollywood. Di questi otto, cinque erano conglomerati completamente integrati, che combinavano la proprietà di uno studio di produzione, una divisione di distribuzione e una consistente catena teatrale e un contratto con attori e personale cinematografico: Fox Film Corporation (poi 20th Century Fox), Loew's Incorporated (proprietario del più grande degli Stati Uniti circuito teatrale e società madre di Metro-Goldwyn-Mayer), Paramount Pictures, RKO Radio Pictures e Warner Bros. Due major - Universal Pictures e Columbia Pictures - erano organizzate in modo simile, sebbene non possedessero mai più di piccoli circuiti teatrali. L'ottava delle major dell'Età dell'Oro, United Artists, possedeva alcuni teatri e aveva accesso a due impianti di produzione di proprietà dei membri del suo gruppo di controllo, ma funzionava principalmente come distributore di supporto, prestando denaro a produttori indipendenti e rilasciando i loro film .

Sound and the Big Five

Gli anni 1927 e 1928 sono generalmente visti come l'inizio dell'età d'oro di Hollywood e gli ultimi passi importanti per stabilire il controllo del sistema in studio del business cinematografico americano. Il successo di The Jazz Singer del 1927, il primo "talkie" lungometraggio (in effetti, la maggior parte delle sue scene non aveva un suono registrato dal vivo) diede un grande impulso allo studio di medie dimensioni dell'allora Warner Bros. L'anno seguente vide sia l'introduzione generale del suono in tutto il settore sia altri due successi per Warners: The Singing Fool , il seguito ancora più redditizio di The Jazz Singer e il primo lungometraggio hollywoodiano " Lights of New York" . Altrettanto significativi sono stati una serie di sviluppi fuori schermo. La Warner Bros., ora a filo del reddito, acquisì la vasta catena teatrale di Stanley nel settembre del 1928. Un mese dopo, acquistò una partecipazione di controllo nella prima compagnia di produzione nazionale, più importante della stessa Warner non molto tempo prima. Con la prima acquisizione nazionale arrivarono non solo uno studio e un backlot di 135 acri (0,55 km2), ma un'altra grande serie di cinema. La Warner era arrivata alla grande.

L'ultimo dei conglomerati hollywoodiani "Big Five" dell'Età dell'Oro emerse nel 1928: RKO. La Radio Corporation of America (RCA), guidata da David Sarnoff, era alla ricerca di modi per sfruttare i brevetti del suono cinematografico, il nuovo marchio RCA Photophone, di proprietà della sua società madre, General Electric. Mentre le principali società di produzione cinematografica si stavano tutti preparando a firmare accordi esclusivi con Western Electric per la loro tecnologia, RCA è entrata nel mondo del cinema stesso. A gennaio, General Electric ha acquisito un considerevole interesse in Film Booking Offices of America (FBO), un distributore e una piccola società di produzione di proprietà di Joseph P. Kennedy, padre del futuro presidente John F. Kennedy. In ottobre, attraverso una serie di trasferimenti di titoli, la RCA ha acquisito il controllo sia della FBO che della catena teatrale Keith-Albee-Orpheum; fondendoli in un'unica impresa, ha creato la Radio-Keith-Orpheum Corporation, Sarnoff presiede il consiglio di amministrazione. Con RKO e Warner Bros. (che presto diventeranno Warner Bros. – First National) che si uniranno a Fox, Paramount e Loew's / MGM come protagonisti, i Big Five che sarebbero rimasti per trent'anni erano ora al loro posto.

Sebbene l'RKO costituisse un'eccezione, i responsabili degli studi sulla costa occidentale, i "magnati del cinema", erano in gran parte presenti da alcuni anni: Louis B. Mayer alla MGM, Jack L. Warner alla Warner Bros., Adolph Zukor alla Paramount , Darryl F. Zanuck (alla 20th Century Fox del 1935), Carl Laemmle alla Universal e Harry Cohn alla Columbia.

Regno delle major e primo declino

La classifica dei Big Five in termini di redditività (strettamente correlata alla quota di mercato) fu in gran parte coerente durante l'Età dell'Oro: MGM era il numero uno undici anni consecutivi, 1931–41. Paramount, lo studio più redditizio della prima era sonora (1928–1930), svanì per la parte migliore del decennio successivo e Fox fu il numero due per gran parte del regno di MGM. La Paramount iniziò una costante ascesa nel 1940, superando infine la MGM due anni dopo; da allora fino alla sua riorganizzazione nel 1949 fu di nuovo il maggior successo finanziario dei Big Five. Con l'eccezione del 1932, quando tutte le società tranne MGM persero denaro e RKO perse un po 'meno dei suoi concorrenti, RKO era la penultima o (di solito) la fine di ogni anno dell'Età dell'Oro, con Warner che generalmente pendeva a fianco di il branco. Tra le major minori, le Little Three, la United Artists ha sostenuto con sicurezza la parte posteriore, con la Columbia più forte negli anni '30 e la Universal in vantaggio per la maggior parte degli anni '40.

Il successo di Hollywood è cresciuto durante la Grande Depressione, probabilmente perché i film hanno aiutato il pubblico a sfuggire alle proprie difficoltà personali. Il presidente Franklin Delano Roosevelt disse di Shirley Temple: "Quando lo spirito del popolo è più basso che in qualsiasi altro momento durante questa depressione, è una cosa meravigliosa che per soli quindici centesimi un americano possa andare al cinema e guardare la faccia sorridente di un bambino e dimentica i suoi problemi ". Nel 1939 c'erano 15.000 cinema negli Stati Uniti, più che banche; il numero di teatri pro capite era il doppio di quello della metà degli anni '80. L'industria cinematografica era più ampia di quella delle macchine per ufficio. Mentre solo il 14 ° più grande delle entrate, è stato il secondo nella percentuale di profitti che i suoi dirigenti hanno ricevuto. Le migliori star come Bing Crosby e Claudette Colbert sono state pagate più di $ 400.000 all'anno ($ 7.204.785 oggi).

La fine del sistema e la morte di RKO

Una delle tecniche utilizzate per supportare il sistema di studio era la prenotazione a blocchi, un sistema di vendita di più film a un teatro come unità. Tale unità - cinque film era la pratica standard per la maggior parte degli anni '40 - in genere includeva solo un film particolarmente eccezionale, il resto un mix di immagini con budget A di qualità inferiore e film B. Come scrisse la rivista Life nel 1957 in una retrospettiva sul sistema dello studio, "Non era un buon intrattenimento e non era arte, e la maggior parte dei film prodotti aveva una mediocrità uniforme, ma erano anche uniformemente redditizi ... Il milione -dollar mediocrity era la vera spina dorsale di Hollywood. "

Il 4 maggio 1948, in una causa antitrust federale nota come causa Paramount intentata contro l'intero Big Five, la Corte Suprema degli Stati Uniti espressamente vietò la prenotazione di blocchi. Ritenendo che i conglomerati stessero effettivamente violando l'antitrust, i giudici si sono astenuti dal prendere una decisione definitiva su come porre rimedio a tale colpa, ma il caso è stato rinviato alla corte inferiore da cui era venuto con un linguaggio che suggeriva il divorzio: il la completa separazione degli interessi espositivi dalle operazioni produttore-distributore - è stata la risposta. I Big Five, tuttavia, sembravano uniti nella loro determinazione a combattere e trascinare procedimenti legali per anni, come avevano già dimostrato di essere abili, dopotutto, la causa della Paramount era stata inizialmente depositata il 20 luglio 1938.

Tuttavia, dietro le quinte di RKO, lungo il conglomerato finanziariamente traballante, la sentenza del tribunale è stata considerata come uno sviluppo che poteva essere utilizzato a vantaggio dello studio. Lo stesso mese in cui è stata emessa la decisione, il multimilionario Howard Hughes ha acquisito una partecipazione di controllo nella società. Dato che RKO controllava il minor numero di teatri tra i Big Five, Hughes decise che iniziare un effetto domino sul divorzio poteva effettivamente aiutare a mettere il suo studio su un piano di parità con i suoi concorrenti. Hughes segnalò la sua volontà al governo federale di stipulare un decreto di consenso che obbligava la rottura della sua attività cinematografica. In base all'accordo, Hughes avrebbe diviso il suo studio in due entità, la RKO Pictures Corporation e la RKO Theatres Corporation, e si sarebbe impegnata a vendere la sua partecipazione nell'una o nell'altra entro una certa data. La decisione di Hughes di concedere il divorzio ha definitivamente minato l'argomento degli avvocati per il resto dei Big Five secondo cui tali rotture erano irrealizzabili.

Mentre molti oggi indicano la sentenza della corte di maggio, in realtà è l'accordo di Hughes con il governo federale - firmato l'8 novembre 1948 - che è stato davvero il braccio della morte per l'Età dell'Oro di Hollywood. La Paramount presto capitolò, stipulando un decreto di consenso simile il febbraio seguente. Lo studio, che aveva combattuto contro il divorzio per così tanto tempo, divenne il primo dei maggiori a sciogliersi, prima del previsto, finalizzando la cessione il 31 dicembre 1949. A quel tempo, c'erano 19.000 cinema negli Stati Uniti.

Attraverso l'accordo di Hughes con le autorità federali e quelli degli altri studi che seguirono presto, il sistema degli studi rimase per un altro mezzo decennio. Lo studio principale che si è adattato alle nuove circostanze con il successo più immediato è stato il più piccolo, United Artists; sotto un nuovo management team che subentrò nel 1951, le spese generali furono tagliate terminando il contratto di locazione con l'impianto di produzione Pickford-Fairbanks e furono forgiati nuovi rapporti con produttori indipendenti, che ora spesso comportano investimenti diretti, un modello commerciale che Hollywood avrebbe emulato sempre più nei prossimi anni. Il sistema di studio attorno al quale l'industria era stata organizzata per tre decenni è infine scaduto nel 1954, quando Loew's, l'ultima riserva, interruppe tutti i legami operativi con MGM.

La mossa di Hughes ha contribuito a rompere il sistema di studio, ma ha fatto ben poco per RKO. La sua dirompente leadership, unita al drenaggio del pubblico verso la televisione che stava influenzando l'intero settore, ha messo a dura prova lo studio che era evidente agli osservatori di Hollywood. Quando nel 1952 Hughes cercò di liberarsi dal suo interesse per la RKO, dovette rivolgersi a un sindacato con sede a Chicago guidato da rivenditori loschi senza esperienza cinematografica. L'accordo fallì, quindi Hughes tornò in carica quando la catena teatrale RKO fu definitivamente svenduta come prescritto nel 1953. Quell'anno, il General Tire and Rubber Company, che stava espandendo la sua piccola divisione decennale, si avvicinò a Hughes riguardo al disponibilità della cineteca di RKO per la programmazione. Hughes acquisì la proprietà quasi completa di RKO Pictures nel dicembre 1954 e concluse una vendita con General Tire per l'intero studio l'estate successiva.

I nuovi proprietari hanno rapidamente recuperato parte dei loro soldi vendendo i diritti televisivi per la biblioteca di cui godevano a C&C Television Corp., una società affiliata di bevande. (RKO ha mantenuto i diritti per le poche emittenti televisive che General Tire aveva portato con sé.) In base all'accordo, i film erano stati privati ​​della loro identità RKO prima di essere inviati da C&C alle stazioni locali; il famoso logo di apertura, con il suo globo e la torre radio, è stato rimosso, così come gli altri marchi dello studio.

Tornati a Hollywood, i nuovi proprietari di RKO stavano riscuotendo scarso successo nel settore cinematografico e nel 1957 il General Tire interruppe la produzione e vendette le principali strutture RKO a Desilu, la società di produzione di Lucille Ball e Desi Arnaz. Proprio come United Artists, lo studio ora non aveva più uno studio; a differenza di UA, possedeva a malapena i suoi vecchi film e non vedeva alcun profitto nel realizzarne di nuovi. Nel 1959 abbandonò completamente l'attività cinematografica.

In Europa e in Asia

Mentre il sistema di studio è ampiamente identificato come un fenomeno americano, a volte le società di produzione cinematografica di altri paesi hanno raggiunto e mantenuto la piena integrazione in modo simile ai Big Five di Hollywood. Come descrive lo storico James Chapman,

In Gran Bretagna, solo due società hanno mai raggiunto la piena integrazione verticale (la Rank Organization e la Associated British Picture Corporation). Altri paesi in cui si è verificato un certo livello di integrazione verticale sono stati la Germania negli anni '20 (Universum Film Aktiengesellschaft o Ufa), la Francia negli anni '30 (Gaumont-Franco-Film-Aubert e Pathé-Natan) e il Giappone (Nikkatsu, Shochiku e Toho). A Hong Kong, Shaw Brothers ha adottato il sistema da studio per i suoi film wuxia negli anni '50 -'60. L'India, che rappresenta forse l'unico serio rivale dell'industria cinematografica statunitense a causa della sua posizione dominante sia sui mercati diasporici propri che su quelli asiatici, al contrario, non ha mai raggiunto alcun grado di integrazione verticale.

Ad esempio, nel 1929 quasi il 75% delle sale cinematografiche giapponesi erano collegate a Nikkatsu o Shochiku, i due più grandi studi dell'epoca.

Dopo il sistema

Sistema a stella

Negli anni '50, Hollywood ha affrontato tre grandi sfide: il caso Paramount che ha posto fine al sistema di studio, la nuova popolarità della televisione e la spesa dei consumatori del secondo dopoguerra, offrendo al suo pubblico molte altre opzioni per il tempo libero. La scala dei successi e dei flop al botteghino è cresciuta, con un "mezzo pericoloso" costituito da film che nell'era precedente avrebbero fatto soldi. Un regista dichiarò nel 1957 che "un disastro assoluto oggi è quello di fare una mediocrità da un milione di dollari. Uno di questi può perdere non solo il tuo investimento totale ma la tua maglietta totale". In quell'anno Hollywood realizzava solo circa 300 film all'anno, rispetto a circa 700 negli anni 1920. Darryl F. Zanuck, capo della 20th Century Fox, non ebbe un coinvolgimento diretto con lo studio dal 1956 al 1962, e Louis B. Mayer , licenziato nel 1951 da MGM, morì nel 1957. Harry Cohn della Columbia, che morì l'anno successivo, informò gli investitori nel rapporto annuale dello studio del 1957 che:

Ci troviamo in un mercato altamente competitivo per questi talenti. Sotto le attuali strutture fiscali, lo stipendio per coloro con cui abbiamo a che fare è meno invitante dell'opportunità di plusvalenze. Ci troviamo quindi a occuparci di corporazioni piuttosto che di individui. Anche noi ci troviamo costretti a trattare in termini di percentuale degli utili del film, piuttosto che in uno stipendio garantito come in passato. Questo è più evidente tra le migliori stelle.

La maggior parte degli attori sono diventati liberi professionisti dopo la fine del sistema di studio. I finanziatori hanno sempre più richiesto attori, registi e scrittori famosi per progetti volti a ridurre il rischio di fallimento. La crescente importanza del mercato estero - dal 40 al 50% delle entrate totali di Hollywood entro il 1957 - ha anche sottolineato i nomi delle star come attrazioni al botteghino. Con il loro nuovo potere, "lavorare per niente" - ottenere una percentuale di profitto anziché uno stipendio - divenne uno status symbol per le stelle. Un attore di punta potrebbe aspettarsi il 50% del profitto, con una garanzia minima o il 10% delle entrate lorde. Cary Grant, per esempio, ha ricevuto oltre $ 700.000 dal suo 10% del lordo di To Catch a Thief (1955), mentre il regista e produttore Alfred Hitchcock ha ricevuto meno di $ 50.000. In un caso estremo, Paramount ha promesso a Marlon Brando il 75% del profitto di quello che divenne One-Eyed Jacks (1961). (A causa della contabilità di Hollywood, gli studi hanno ancora ricevuto gran parte delle entrate prima di qualsiasi compartecipazione agli utili; quindi, hanno preferito il 50% degli utili al 10% del lordo.) I maggiori stipendi hanno anche aumentato il potere degli agenti di talento come Lew Wasserman di MCA, il cui ufficio era ora soprannominato "Fort Knox".

Nel 1957, i produttori indipendenti realizzarono il 50% dei film americani. Oltre a lavorare per altri, attori importanti come Gregory Peck e Frank Sinatra hanno creato le loro società di produzione e acquistato sceneggiature. Anche i migliori registi indipendenti George Stevens, Billy Wilder e William Wyler hanno visto aumentare i loro stipendi, in parte perché il loro coinvolgimento ha attratto attori famosi. Gli studi hanno sempre più fornito finanziamenti e servizi a produttori indipendenti invece di realizzare i propri film o, proprio come United Artists, si sono concentrati sulla distribuzione. Mentre la televisione aveva danneggiato Hollywood, le società di produzione televisiva come Desilu e le divisioni televisive degli studi cinematografici hanno contribuito a salvare l'industria utilizzando strutture altrimenti inutilizzate.

Sindacato, televisione, recessione e conglomerato Hollywood

All'inizio degli anni '60 i principali studi iniziarono a ristampare film più vecchi per la sindacazione e si trasformarono principalmente nella produzione di telefilm e film per soddisfare la domanda di programmi televisivi. Tra il 1969 e il 1971 l'industria ha subito una grave recessione, dovuta in parte a flop di grande budget, ma si è presto ripresa artisticamente con film come Il padrino (1972) e Chinatown (1974).

L'inizio di Star Wars (1977) di George Lucas divenne il prototipo del moderno successo. L'uscita di film in centinaia di luoghi è diventata la norma con successi come i sequel di Star Wars di Lucas, The Empire Strikes Back and Return of the Jedi , i successi back to back di Spielberg con Raiders of the Lost Ark e ET the Extra- Terrestre e sviluppo dell'home video e della televisione via cavo. Nel frattempo, il budget incontrollato di Heaven's Gate (1980) e le sue entrate al botteghino limitate hanno portato alla vendita di United Artists.

Dal 1990 al 1995, New Hollywood si è trasformata in una sorta di Hollywood conglomerata e domina rapidamente l'intera industria dell'intrattenimento globale. Oggi, tre dei maggiori dell'Età dell'Oro continuano a esistere come principali entità dello studio di Hollywood, tutte ora di proprietà di un conglomerato mediatico più grande: Paramount (di proprietà di National Amusements via Viacom), Warner Bros. (di proprietà di AT&T via WarnerMedia), e Universal (di proprietà di Comcast tramite NBCUniversal). Inoltre, la Sony Pictures (di proprietà della Sony) è stata costituita dalla fusione tra Columbia e Tri-Star, mentre i Walt Disney Studios (di proprietà della Disney) sono emersi tra i maggiori, il che ha portato a un "Big Six" fino all'acquisizione di 20th Century Fox di Disney, annunciato alla fine del 2017, è stato completato all'inizio del 2019, diventando di nuovo un "Big Five". Escludendo Walt Disney, tutti questi cosiddetti studi principali si basano essenzialmente sul modello non del classico Big Five, ma dei vecchi United Artists: ovvero sono principalmente distributori di supporto (e locatari di studi fisici) piuttosto che società di produzione reali.

Sony, oltre alla proprietà del suo omonimo studio, ha anche un controllo efficace della relativamente piccola incarnazione degli ultimi giorni di MGM e della sua controllata UA; sotto l'ombrello di Sony, MGM / UA opera come un "mini-maggiore", nominalmente indipendente ma strettamente associato a Columbia e TriStar. Nel 1996, Time Warner acquisì la New Line Cinema, una volta indipendente, attraverso l'acquisto del Turner Broadcasting System. Nel 2008, New Line è stata fusa in Warner Bros., dove continua ad esistere come filiale. Ognuno dei Big Five di oggi controlla divisioni "d'autore" quasi indipendenti, come Paramount Vantage. La Miramax Films (che originariamente era uno studio indipendente) era di proprietà della Disney fino al 2010. La maggior parte ha anche divisioni che si concentrano su film di genere, film B letteralmente in virtù del loro budget ridotto o spiritualmente, ad esempio le gemme di schermo di Sony. Una cosiddetta divisione indipendente, Universal Features Focus, distribuisce film d'autore con quel marchio primario. Sia la divisione d'autore di Focus che Fox, Fox Searchlight, sono abbastanza grandi da qualificarsi come mini-major. Due grandi aziende indipendenti si qualificano anche come mini-major, Lionsgate e The Weinstein Company. Stanno da qualche parte tra le versioni degli ultimi giorni del vecchio "maggiore-minore" - proprio come la Columbia e la Universal erano negli anni '30 e '40, tranne Lionsgate e The WC hanno circa la metà della loro quota di mercato - e leader nella produzione indipendente dell'età d'oro come Samuel Goldwyn Inc. e le società di David O. Selznick.

Era indipendente e l'inizio del secondo declino

A metà del 2010, i principali studi si sono spostati verso la produzione di film tradizionali che attirano il pubblico (film di genere, sequel, film 3-D e supereroi). Dato che questi film rischiano di perdere denaro al botteghino (e alcuni, in effetti, lo hanno fatto), un'opportunità aperta per le società indipendenti per produrre film che negli ultimi anni hanno sconvolto altri importanti film in studio per l'Oscar per il miglior film. L'Academy of Motion Picture Arts and Sciences (che produce gli Academy Awards annuali) generalmente attribuisce i migliori Oscar ai film di sostanza e di alta qualità piuttosto che al popolare film mainstream. Tra Birdman del 2014 e The Shape of Water del 2017 (entrambi prodotti dallo stesso grande studio, 20th Century Fox), le molteplici vittorie per film indipendenti come Spotlight (Open Road, 2015) e Moonlight (A24, 2016) hanno avuto un impatto notevole sull'assunzione al botteghino di altri grandi film in studio, e forse il destino degli stessi grandi studi, e anche oggi con l'ultima ondata di film indipendenti. Questa continua dominanza del film indipendente è la prova che il suo successo non dipende da nessun formato cinematografico, che si tratti di 3-D, CinemaScope o di grandi formati come IMAX. I recenti risultati del Festival di Cannes e la mancanza di film americani vincitori di questi premi potrebbero anche aver influenzato il dominio del cinema indipendente.