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Diario di David Holzman

David Holzman's Diary è un mockumentary americano del 1967, o opera di metacinema, diretto da James McBride e interpretato da LM Kit Carson. Lungometraggio realizzato con un budget limitato per diversi giorni, è un'opera di finzione sperimentale presentata come un documentario autobiografico. "Un autoritratto di un personaggio immaginario in un luogo reale, nell'Upper West Side di New York", il film commenta la personalità e la vita di David, nonché il cinema documentaristico e il mezzo cinematografico in generale.

Sinossi

LM Kit Carson interpreta David, un giovane bianco che vive da solo nel suo modesto monolocale nella West 71st Street di Manhattan nel luglio 1967. Il film inizia senza i tradizionali crediti di apertura o musica che significherebbe un documentario o un film di finzione realizzati professionalmente. Invece, è solo David a casa a dire chiaramente che ha recentemente perso il lavoro e potrebbe presto essere arruolato nell'esercito e inviato in Vietnam. Non identifica il lavoro in questione, ma il suo arredamento e la personalità cinefila implicano che potrebbe aver coinvolto il cinema. Seduto su una sedia con attrezzature cinematografiche e poster alle sue spalle e citando Jean-Luc Godard, afferma di aver deciso di realizzare un diario video per provare a documentare e comprendere la sua vita. Dopo questa introduzione, ciò che segue è una serie di voci di diario filmate che David fa per un periodo di diversi giorni, raffigurante la sua vita quotidiana, i suoi dintorni e i suoi pensieri e sentimenti più personali.

In alcune scene, David gira intorno alle riprese del suo quartiere, da varie persone ed edifici storici a momenti spontanei come agenti di polizia che aiutano un'apparente vittima di rapina. Questo video a volte è silenzioso e altre volte accompagnato da dialoghi o suoni ambientali, o suoni che potrebbe aver registrato separatamente e aggiunto al film in seguito, come le trasmissioni radiofoniche. David intervista alcune persone e lascia che altri parlino liberamente con la telecamera. In una scena a circa un terzo del film, il suo amico Pepe fa un lungo monologo sulla sua valutazione critica del diario mentre si sta formando finora, vale a dire che David sta facendo "un'opera d'arte molto brutta". Dicendo: "La tua vita non è un ottimo copione", Pepe raccomanda a David di fare di più per trovare ciò che è veramente interessante. Se si concentrerà su se stesso - qualcuno che "non è un buon personaggio" da guardare - allora forse dovrebbe correre più rischi, esporre le sue vulnerabilità - forse anche provare a filmare se stesso nudo davanti alla telecamera, per tutto il tempo serve per trovare alcune verità interessanti. (Andrew Noren è un cineasta clandestino di questi tempi e luoghi che aveva tanta tanta nudità nei suoi film.)

Molto spesso nel film, David è seduto a casa a parlare con il suo microfono Lavalier e la fotocamera 16mm Éclair su argomenti importanti per lui, dalla teoria del cinema alla sua ragazza Penny, che è una modella. Durante i diversi giorni in cui ha realizzato il suo diario, e forse seguendo alcuni dei consigli di Pepe, David diventa sempre più ossessionato dalle riprese di Penny, senza il suo permesso, e anche una volta quando dorme nuda. In quel particolare momento, si sveglia e lo attacca per questa trasgressione, e si rompe con lui; questo è seguito da diversi tentativi falliti di contattarla, e il suo monologo elogia la masturbazione. David recita anche più volte attraverso il finestrino di una donna dall'altra parte della strada, che è soprannominato Sandra, dopo il personaggio del titolo in un film di Luchino Visconti. E, in un'altra scena, segue una donna anonima fuori dalla metropolitana e sulla strada, silenziosamente la insegue fino a quando lei si gira e gli dice: "Batti!"

Il progetto del diario di David arriva in fondo dopo che ha lasciato la città per un giorno, per partecipare a un funerale di famiglia, e torna per trovare tutta la sua attrezzatura cinematografica rubata. Lo rivela nel suo ultimo diario, che combina una registrazione audio della sua voce con una serie di foto che David ha fatto di se stesso con attrezzature noleggiate o prese in prestito. Deluso e disilluso, dice che questa è la fine del film. Il suono si interrompe e l'immagine diventa nera per circa dieci secondi, apparentemente la fine di questo film diario. Ma poi il diario di David Holzman prende una svolta improvvisa e inaspettata. Mostra una carta del titolo (ancora senza suono) che dice semplicemente "IL DIARIO DI DAVID HOLZMAN", seguito da un'altra carta che identifica LM Kit Carson come l'attore che lo interpreta. Quindi alcune carte per il resto del cast e per l'equipaggio. Tutte queste carte affermano effettivamente che "il precedente era in realtà un film di finzione in posa come un documentario autobiografico. Queste sono le persone che hanno realizzato questo film".

Cast e personaggi

David Holzman - LM Kit Carson
Penny Wohl - Eileen Dietz
Pepe - Lorenzo Mans
Sandra - Louise Levine
Donna in metropolitana - Fern McBride
Il fidanzato di Sandra - Michael Levine
Max (agente di Penny) - Bob Lesser
Poliziotto - Jack Baran

Regista-sceneggiatore - Jim McBride
Camera - Michael Wadley (ora Wadleigh)
Fotografia aggiuntiva - Paul Goldsmith e Paul Glickman

Tipico per un piccolo film indipendente, il Diario di David Holzman è stato realizzato da un piccolo gruppo di persone giovani e praticamente sconosciute che per lo più hanno continuato a essere sconosciute. Questo è stato il debutto cinematografico per McBride e Carson; entrambi hanno continuato a lavorare nel corso degli anni insieme o separatamente su alcuni progetti cinematografici e televisivi. Carson ha lavorato come sceneggiatore nel film del 1984 a Parigi, in Texas e nel remake di Godard's Breathless del 1983 di McBride. McBride ha diretto il 1987 The Big Easy e il 1989 Great Balls of Fire! , così come episodi dei programmi televisivi Six Feet Under e The Wonder Years . Michael Wadleigh ha diretto ed è stato direttore della fotografia e scrittore per il documentario sul concerto Woodstock del 1970, e ha diretto, scritto e recitato nel thriller horror del 1981 Wolfen .

Produzione

Il critico cinematografico Richard Brody scrive che "Questa ingegnosa, trasandata metafora del 1967 di Jim McBride è un frutto esotico coltivato a New York dal seme della New Wave francese". Jaime Wolf scrive che "Immediatamente una narrativa immaginaria all'interno di un'ambientazione documentaristica riconoscibile e una sorta di saggio sulle condizioni del cinema, il diario di David Holzman si pone come uno dei pochi equivalenti americani all'opera che Godard stava facendo in quel momento". La New Wave francese è stata chiaramente una fonte d'ispirazione per questo film, ma ce n'erano anche altri. Un'influenza fu il Diario di una ragazza perduta , un libro pubblicato nel 1905 come un diario apparentemente autentico di una prostituta di nome Thymian, ma in realtà scritto dal suo "editore", Margarete Böhme; è stato successivamente adattato in un popolare film tedesco del 1929 con Louise Brooks nel ruolo di Lulu. Questo è ciò a cui David si riferisce all'inizio del suo film quando cita "il famoso diario di Lulu" come fonte d'ispirazione per il suo lavoro. Jaime N. Christley nota alcune altre influenze cinematografiche, affermando che "il vero punto di origine è il docudrama di Peter Watkins The War Game (che ha vinto il documentario Oscar per il 1967) o Land Without Bread di Luis Buñuel, a seconda di dove si disegna la colpa Linee." James McBride ha identificato il suo contesto americano più immediato per la realizzazione del film:

Sono entrato nel mondo del cinema quando il cinema vérité lavorava come i fratelli Maysles e Richard Leacock e DA Pennebaker era nuovo ed eccitante, e quando molti cineasti underground cercavano di usare il mezzo in un modo più poetico, come esercizio in diversi tipi di liberazione — sai, dalla liberazione personale alla liberazione dalle forme classiche di cinema. Allora c'erano molte alternative al cinema di Hollywood. Tutti questi film stavano cercando di trovare un nuovo modo di vedere la vita. Ed ero un giovane regista idealista che si occupava di queste stesse domande. Sai: cosa si dovrebbe cercare di fare nei film e come si dovrebbe fare? Il mio film, il diario di David Holzman , parlava di questo tizio che realizza un diario della sua stessa vita per cercare di trovare una verità che non può percepire in tempo reale. Doveva essere una specie di formula ironica, diciamo, per esplorare molte di quelle idee.

Il diario di David Holzman è stato girato in circa una settimana con attrezzature prese in prestito e un budget di soli $ 2.500. Secondo LM Kit Carson, il denaro proveniva da un anticipo del libro del Museo di arte moderna, destinato a lui e alla McBride a ricercare e scrivere un libro sul cinema verité. Dopo aver condotto diverse interviste con i registi, hanno cambiato idea e hanno deciso di fare qualcosa di meglio con i soldi:

A metà della scrittura del libro, McBride mi dice: "Non c'è verità sul film. Fondamentalmente non appena accendi la fotocamera - tutto cambia - in non reale - diventa irreale". Quindi decidiamo che scrivere "questo libro" è una citazione / non quotazione "non veritiera", decidiamo di non scrivere questo libro. Prendiamo il libro-anticipo di $ 2.500,00 - e durante i 10 giorni di Pasqua dal college - realizziamo un finto documentario sul cinema - immaginiamo che sia il modo più forte di mettere in discussione il cinema-verite: il diario di David Holzman.

Il diario di David Holzman esemplifica la produzione cinematografica di guerriglia, un modo di produzione definito non dal genere ma da una drastica mancanza di risorse di produzione insieme a una mentalità assolutamente necessaria. Le risorse necessarie includono denaro, attrezzature, strutture e cast e troupe professionisti; la loro mancanza richiede che i registi siano molto economici e creativi, come nel caso dell'uso da parte di McBride e Carson del denaro del libro MoMA da $ 2,500. O con la scrittura del dialogo del film. Il critico cinematografico Jonathan Rosenbaum afferma che il dialogo nel Diario di David Holzman "è stato sostanzialmente scritto (quando è stato scritto) su una scena per scena" con gli attori coinvolti. Altre scene erano del tutto estemporanee, come quella con "il sincero discorso sessuale della signora del Tuono - in realtà un transessuale che recentemente aveva subito un'operazione di cambio di sesso". David B. Lee descrive questa donna come in realtà un "transessuale pre-operatorio" e, cosa più importante, nota che questa è l'unica donna (o uomo che interpreta una donna) nel film che non è vittima della telecamera di David; che invece si impegna apertamente con esso, facendo battute oscene e persino sollecitando esplicitamente il sesso.

All'inizio degli anni '60, McBride aveva frequentato la scuola di cinema della New York University, nella stessa classe di Martin Scorsese. "Quando stava facendo Who's That Knocking at My Door e io stavo facendo il Diario di David Holzman , lavoravamo entrambi con lo stesso direttore della fotografia, Michael Wadleigh." Si scopre che Wadleigh è stato la chiave per realizzare il Diario di David Holzman , e non semplicemente come suo direttore della fotografia. Secondo McBride, all'epoca Wadleigh stava facendo un lavoro commerciale e approfittò creativamente di quella situazione per ottenere risorse per il loro film:

È un processo un po 'complicato, ma usciremmo e spareremmo qualcosa per qualcuno e se dovesse sparare qualcosa il lunedì successivo, diciamo, manterremmo l'attrezzatura durante il fine settimana. Quindi l'idea di Mike è stata, questo film che vuoi fare, perché non usiamo solo questa attrezzatura gratuita che abbiamo nei fine settimana e giriamo cose. Quindi è quello che abbiamo fatto. Abbiamo usato le scorte di film rimanenti. Per elaborare il film andremmo in laboratorio sotto l'egida di qualche altro progetto a cui stavamo lavorando.

La scelta della location nell'Upper West Side per il film è nata dall'esperienza di vita di McBride: "Sono nato e cresciuto lì e vivevo ancora lì, non con i miei genitori ma vivevo ancora nel quartiere molto tempo dopo aver lasciato casa e quindi questi erano le strade che camminavo, queste erano le cose che vedevo. era un po 'il mio mondo e volevo condividere un po' ".

Distribuzione

Un film non convenzionale realizzato completamente al di fuori del sistema dello studio, il diario di David Holzman non è stato distribuito in modo teatrale. Tuttavia, ebbe primi successi in festival cinematografici, club di cinema e musei. È stato proiettato al New York Film Festival e al San Francisco Film Festival e ha vinto premi ai festival cinematografici di Mannheim, Bruxelles e Pesaro. È stato proiettato nel 1968 al Flaherty Seminar e al Museum of Modern Art, e nel 1973 al Whitney Museum of American Art. Per quanto riguarda la proiezione al MoMA, LM Kit Carson ha dichiarato che il museo "non era contento di non aver realizzato il libro in contratto" fino a quando il film non ha vinto premi ai festival. "Quindi il Museo ha organizzato una proiezione speciale di alto profilo del mock-doc - l'inizio di una serie di film chiamata CINEPROBE" e poi ha aggiunto il film alla sua collezione.

Nel 1991, il Diario di David Holzman è stato selezionato per la conservazione nel National Film Registry degli Stati Uniti dalla Library of Congress, per essere "culturalmente, storicamente o esteticamente significativo". Da allora ha avuto una distribuzione variabile su videocassetta, laserdisc, DVD e online.

Ricezione

Nel 1973, Chuck Kraemer predisse che il Diario di David Holzman sarebbe stato ricordato come "il film verité cinematografico autobiografico sotterraneo degli anni sessanta" e che "gli studiosi degli anni novanta lo venereranno". Da allora, il film è rimasto oscuro per il pubblico mentre sviluppava e manteneva una forte reputazione critica, in modo tale che le sue attuali valutazioni su Rotten Tomatoes siano al 100% di approvazione da parte della critica e al 78% tra il pubblico. Allo stesso modo, il sito Web della Guida TV afferma che "questo film provocatorio e infinitamente autocosciente oggi si pone come uno dei migliori film indipendenti degli anni '60".

Dopo i suoi primi anni sul circuito del festival, il Diario di David Holzman divenne gradualmente "un classico, mostrato nelle classi universitarie e nelle classi cinematografiche" per ragioni che includevano il suo impegno con la teoria e la pratica del cinema. In termini di pratica cinematografica, mostra un giovane che usa varie tecnologie cinematografiche e tecniche innovative recentemente disponibili, tra cui "riprese statiche lunghe con monologhi; passaggi estesi di schermo nero; distorsioni fish-eye; viaggi laterali che offrono viste simili ad Arbus di tutti i giorni grottesco ". Mostra a David che utilizza queste tecniche per realizzare un film diario, un formato tecnicamente semplice ed economico: un'opzione naturale per i giovani registi creativi con risorse limitate. Uno di questi giovani registi all'epoca era Brian De Palma, che disse che:

Quando ho ottenuto la mia fotocamera da 8 mm per la prima volta, la portavo in giro come David Holzman e provavo a filmare tutto ciò che facevo e guardarlo. Io e i miei amici avevamo sempre le telecamere ed eravamo tutti registi. Ho filmato un'intera sezione della mia vita: le persone con cui uscivo, i miei amici. Ho appena girato tutto. Ho anche diretto le scene. E tutto è venuto dal diario di David Holzman .

Il diario di David Holzman è stato citato direttamente o indirettamente in film successivi, tra cui il dramma del 1969 Coming Apart , la commedia del 1974 Yackety Yack , la commedia drammatica del 2001 CQ e la commedia del 2002 Camera Noise . Nel 2011, Kevin B. Lee ha realizzato un documentario online in due parti sul film Diario di David Holzman . Critici cinematografici, studiosi e fan hanno anche scritto molto su vari aspetti del film, principalmente le sue complicate relazioni tra realtà e finzione; tra arte e vita; e tra la sfera pubblica e quella privata.

Rapporti tra realtà e finzione

L'impegno di questo film con fact vs. fiction ha suscitato alcune delle sue prime e più forti reazioni critiche, in particolare da parte dei membri del pubblico che si sono sentiti ingannati; arrabbiati per essere stati portati a credere che David Holzman fosse una persona reale e che il film fosse un documentario. Secondo quanto riferito, gli spettatori alla proiezione del Seminario Flaherty sono stati "oltraggiati" dal film, che è stato anche "fischiato al San Francisco Film Festival del 1968, quando i titoli di coda hanno rivelato che era finzione". Una recensione di un giornale del college ha notato un senso di "grande shock" per aver "pensato di aver trovato una verità sulla vita da un film di vita vissuta; invece, abbiamo ottenuto quel significato da un pezzo di arte immaginativa". LM Kit Carson ha affermato che, date tali reazioni, quando il MoMA avrebbe dovuto proiettare il film nel 1968, il museo ha definito il film come una commedia piuttosto che un documentario.

Tutto questo shock e rabbia possono sembrare esagerati, ma il film ha toccato un nervo essendo così convincente e aspettando l'ultimo momento possibile per rivelare che era tutto messo in scena. Il film è stato così convincente a causa di molte tecniche, incluso l'uso coerente di telecamere mobili e apparecchiature audio, riprese in location, editing minimale, attori sconosciuti, dialoghi improvvisati e argomenti altamente personali, con il personaggio di David che parla ampiamente di se stesso. Louise Spence e Vinicius Navarro identificano alcune tecniche aggiuntive: "l'indirizzo diretto alla telecamera, la narrazione errante, il disturbo visivo e uditivo (suono fangoso e messa a fuoco sfocata) e l'uso compulsivo di date per descrivere le riprese della giornata". Complessivamente, scrivono, questo film accuratamente realizzato ha violato "il contratto che lega i cineasti al documentario;" ha fatto molto lavoro per "sconvolgere la nostra fiducia nella rappresentazione e nelle presunzioni documentarie che sono spesso associate al cinema di saggistica".

Ulteriori linee confuse tra finzione e realtà, questo film esplora come, anche nei documentari reali, la verità possa essere manipolata - consciamente o inconsciamente - prima, durante e dopo le riprese. Vincent Canby ha scritto che il film "mette in luce le domande che tutti noi abbiamo sulla qualità della verità che può essere catturata dalla cinepresa del cinema reale" e sulle "terribili possibilità di distorsione" attraverso il processo di editing. Nel suo monologo critico all'interno del film, Pepe parla di come l'atto delle riprese può cambiare ciò che viene filmato:

Non appena inizi a girare qualcosa, qualunque cosa accada davanti alla telecamera non è più realtà. Diventa un'opera d'arte ... E tu smetti di vivere in qualche modo. E diventi molto autocosciente di tutto ciò che fai. "Dovrei mettere la mia mano qui?" ... "Dovrei posizionarmi su questo lato del telaio?" E le tue decisioni smettono di essere decisioni morali e diventano decisioni estetiche.

Detto diversamente, Jaime Wolf scrive che il Diario di David Holzman applica quello che il critico cinematografico Andrew Sarris ha descritto come il Principio di incertezza di Heisenberg del cinema documentario, vale a dire "l'effetto inevitabile della presenza di un osservatore sul comportamento dell'osservato". Nel bene o nel male, consapevolmente o meno, apertamente o sottilmente, le persone spesso giocano con la videocamera, comportandosi in modo diverso da come farebbero altrimenti. Da nessuna parte in questo film questo è più palese che nella scena di David con il personaggio senza nome soprannominato da alcuni come "Thunderbird Lady". Questa estesa scena di una donna - una modella autoproclamata nuda - seduta nella sua macchina e parlando audacemente e rozzamente con il cameraman, principalmente sul sesso - è semplicemente troppo estrema per un vero incontro non mediato, anche per le strade di New York. Numerosi critici hanno notato le sue esagerate prestazioni per la macchina da presa, oltre al fatto che ha anche modificato ciò che stava accadendo dietro la macchina da presa durante questa scena. LM Kit Carson riferisce di essere "soffocato e maniaco" e "diventato così innervosito" in questa bizzarra situazione di intervista che Michael Wadleigh ha dovuto subentrare e completare l'intervista per lui, qualcosa a malapena evidente nel film finale.

David inizia il suo diario citando la famosa dichiarazione di Godard secondo cui il mezzo del cinema è "la verità ventiquattro volte al secondo". Tuttavia, come ha osservato Edward Copeland, David non menziona che la citazione completa di Godard termina con "e ogni taglio è una bugia". Molti scrittori hanno discusso delle implicazioni del Diario di David Holzman per la verità al di là dell'area del documentario, in generale per il cinema e la fotografia. Emanuel Levy scrive che il diario di David Holzman è un esempio di "impossibilità di raggiungere l'obiettività completa sullo schermo". La guida TV descrive il film come "Una delle affermazioni più puntate del cinema sull'impossibilità dell'oggettività nel film". Allo stesso modo, Justin Stewart definisce il film "una bufala esplosione di" realtà "il cui argomento principale è l'impossibilità della documentazione obiettiva".

Molti scrittori hanno descritto il Diario di David Holzman come una satira di documentari o registi. Ad esempio, che il film "prende colpi divertenti" all'importanza personale o alla serietà dei praticanti del nuovo "cinema personale". Furono i cineasti che "stabilirono una nuova relazione con i loro soggetti: intimi, rivelatori e personali, contrastando una tradizione documentaria in cui gli esseri umani venivano principalmente usati per illustrare vari temi sociali". Cineasti tra cui Richard Leacock, DA Pennebaker, Andrew Noren e i fratelli Maysles. Per quanto riguarda la misura in cui il suo film prende in giro tali registi, McBride afferma di non aver criticato opere o persone specifiche; invece, stava prendendo a pugni idee - idee popolari su film e verità:

C'era questa sensazione generale o l'idea che esistesse questo tipo di verità che poteva essere rivelata che non era mai stata rivelata prima. Questo è stato molto allettante per me, ma allo stesso tempo è stato anche sciocco, l'idea che ci sia una sorta di verità oggettiva che può essere rivelata. E così ho avuto l'idea di fare un film su un ragazzo che pensava di poter scoprire la verità su se stesso e sulla sua vita filmandolo, e senza successo.

Scritti più recenti sul Diario di David Holzman a volte raggruppano il film con i successivi film di finzione che allo stesso modo si presentano come documentari, tra cui The Blair Witch Project e film di Christopher Guest come This is Spinal Tap . Dave Kehr descrive il Diario di David Holzman come "molto più convincente di Zelig di Woody Allen". Jaime N. Christley lo raggruppa con pesce gatto ed esce attraverso il negozio di articoli da regalo . Altri scritti degli ultimi anni citano tecniche cinematografiche nel Diario di David Holzman che erano inusuali all'epoca ma che sono diventate più comuni, come l'indirizzo diretto dei personaggi alla macchina da presa o l'uso creativo di sequenze di credito finale, di solito sotto forma di intrattenimento outtakes dietro le quinte catturati durante la realizzazione di film di finzione.

Rapporti tra arte e vita

Molti scrittori hanno notato che il Diario di David Holzman descrive complicate relazioni tra arte e vita; come la vita di David motiva e modella la sua arte e viceversa. Come la sua vita sociale, la sua vita quotidiana a casa, il suo background nel cinema, modellano la sua energia e le sue scelte artistiche, con vari effetti. E, viceversa, come l'arte di David modella la sua vita e la vita degli altri, sfortunatamente spesso spesso negativamente. Il critico cinematografico Chuck Kraemer coglie un po 'di questa complessità quando scrive che David è "ogni cineasta incapace di lottare per una visione, ogni sensibile newyorkese sopraffatto dalla fecondità visiva della città, ogni giovane che soffre di amore perduto, ogni artista malizioso cercando di risolvere la sua vita, di spiegarsi a se stesso e al mondo ".

Per David, l'arte e la vita si fondono nella cultura cinematografica di New York. È profondamente immerso nei film, pensando costantemente a loro, guardandoli e citando altre persone su di loro. Il film è la sua ossessione, ma la sua vita quotidiana include anche il consumo di radio e TV. Come scrive Brody, la vita della città di David raffigura un "flusso infinito di radio Top Forty e una visione meravigliosa e frenetica della televisione". La radio Top Forty che David ascolta include notizie di guerra e disordini sociali insieme a musica popolare; e la "visione frenetica" si riferisce alla sequenza che David ha fatto filmando un fotogramma da ogni scatto da un'intera serata di TV in rete. Seduto tutta la sera e facendo clic sulla sua fotocamera una volta dopo ogni transizione di scatto, David ha prodotto un diluvio di due minuti e mezzo di scatti separati da un telegiornale del Rapporto Huntley-Brinkley ; poi da episodi di Batman , Star Trek , The Dean Martin Show e un talk show; e poi una messa in onda a tarda notte del film Shirley Temple Bright Eyes . E, come scrive David Blakeslee, molti spot pubblicitari, "Ancora capaci dopo tutti questi anni, e anche in questo formato incomprensibilmente compresso di consegnare i loro messaggi subliminali potentemente efficienti". Questa esplosione di immagini televisive parla di aspetti della vita di David tra cui la moltitudine di immagini che arrivano a lui (e noi) quotidianamente; e la sua vita piuttosto noiosa, insulare e piena di trasmissioni televisive e radiofoniche insieme a film. Può anche riferirsi ai "24 frame per secondo" di Godard, in che modo ogni singolo frame trasmette significato in sé e in relazione ad altri frame, in questo caso con un totale di circa 3.600 frame consecutivi.

La vita di David è modellata da immagini e cultura popolare, ma non è semplicemente un consumatore passivo. È un giovane regista energico e creativo. Fare film richiede molto tempo e influisce sulla sua vita e su quella di altre persone, in vari modi, non sempre con buoni risultati. Mentre realizza il suo film, infiltrandosi nella vita delle persone, David allontana e mette persino in pericolo le donne e viene preso a pugni da un poliziotto. Come osserva Jaime N. Christley, "incontriamo David in caduta libera personale e professionale. Cattive scelte, cattiva patologia e semplicemente sfortuna si fondono in una nuvola nera che alla fine consuma la sua vita, e prima che le carte del titolo di riserva indichino la conclusione del film, il nostro eroe avrà perso la sua ragazza, la sua macchina fotografica e il suo kit audio e si è rivelato un sociopatico minore con gravi problemi di controllo ". Allo stesso modo, TV Guide elogia il film per "non aver paura di presentare e criticare implicitamente i lati più spiacevoli del suo" eroe ".

Rapporti tra pubblico e privato

Una parte fondamentale dell'impegno di questo film con l'arte e la vita è la sua rappresentazione delle relazioni tra pubblico e privato, relazioni che sono di genere. Come scrive James Latham, David usa il suo progetto cinematografico in parte per affermare il potere sulle donne; spiarli, perseguitarli e registrarli con o senza permesso, e quindi potenzialmente rendere pubbliche quelle immagini. Parte della motivazione di David per affermare questo potere, scrive Latham, è che sta vivendo ruoli di genere capovolti o "patriarcato in crisi". In un'era in cui le donne (così come le persone di colore e i membri della comunità LGBT) stanno gradualmente guadagnando un po 'di potere negli spazi pubblici, David "rappresenta la crescente consapevolezza che il potere maschile sulle donne sta calando". Mentre Sandra, Penny e l'anonima donna della metropolitana "sono indipendenti e associate al mondo dell'uomo esterno, David è relativamente bisognoso, impotente e isolato nel suo piccolo mondo interiore. È disposto a lasciarlo andare, tranne per il fatto che è troppo libera e aggressiva per Davide ".

Molti scrittori hanno notato i chiari riferimenti del film a Rear Window (1954) e Peeping Tom (1960) e ai relativi problemi. Jonathan Rosenbaum scrive, ad esempio, che questi film esaminano "le nozioni della telecamera come strumento di sondaggio, specialmente in relazione al voyeurismo e ad altre forme di appropriazione sessuale aggressiva e all'auto-esame". Altri critici notano che l'ironia pubblico-privata della modella Penny non è disposta ad apparire nel film di David; o che David è "nudo per tutti, ma invisibile a se stesso".

Scritti più recenti sul diario di David Holzman a volte fanno riferimento a come la tecnologia e la cultura si sono evolute dagli anni '60, rendendo più sfocati i confini tra privato e pubblico. Ad esempio, David Blakeslee scrive che quando ha visto di recente il film sul sito Web Vimeo, non ne sapeva praticamente nulla, tranne che "poteva essere visto come un precursore del fenomeno del 21 ° secolo dei vlogger di YouTube che raccontano le loro vite vari gradi di dettagli banali, cercando di attirare gli spettatori in qualsiasi esperienza affascinante o dilemmi lancinanti che pensano possano attirare la loro attenzione. Ovviamente, sono successe molte cose nel regno della pubblica rivelazione personale su film e video tra il 1967 e oggi ".