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Musica d'avanguardia

Genere musicale

La musica d'avanguardia è la musica che è considerata all'avanguardia della sperimentazione o dell'innovazione nel suo campo, con il termine "avanguardia" che implica una critica delle convenzioni estetiche esistenti, il rifiuto dello status quo a favore di elementi unici o originali e l'idea di sfidare o alienare deliberatamente il pubblico.

distinzioni

La musica d'avanguardia può essere distinta dalla musica sperimentale dal modo in cui adotta una posizione estrema all'interno di una certa tradizione, mentre la "musica sperimentale" si trova al di fuori della tradizione. In senso storico, alcuni musicologi usano il termine "musica d'avanguardia" per le composizioni radicali che sono successe alla morte di Anton Webern nel 1945, ma altri non sono d'accordo. Ad esempio, Ryan Minor scrive che questo periodo è iniziato con il lavoro di Richard Wagner, mentre Edward Lowinsky cita Josquin des Prez. Il termine può anche essere usato per riferirsi a qualsiasi tendenza post-1945 della musica modernista non definibile come musica sperimentale, sebbene talvolta includa un tipo di musica sperimentale caratterizzata dal rifiuto della tonalità. Un esempio comunemente citato di musica d'avanguardia è 4'33 " (1952) di John Cage, un pezzo che istruisce gli artisti a non suonare i loro strumenti per tutta la sua durata.

Anche se parte della musica modernista è anche all'avanguardia, si può fare una distinzione tra le due categorie. Secondo lo studioso Larry Sitsky, poiché lo scopo della musica d'avanguardia è necessariamente una critica politica, sociale e culturale, in modo da sfidare i valori sociali e artistici provocando o diffamando il pubblico, compositori come Igor Stravinsky, Richard Strauss, Arnold Schoenberg, Anton Webern, George Antheil e Claude Debussy possono ragionevolmente essere considerati avanguardisti nei loro primi lavori (che sono stati interpretati come provocatori, indipendentemente dal fatto che i compositori li intendano o meno in quel modo), ma Sitsky non considera l'etichetta adatta alla loro musica successiva. Ad esempio, i modernisti del secondo dopoguerra, come Milton Babbitt, Luciano Berio, Elliott Carter, György Ligeti e Witold Lutosławski, non hanno mai concepito la loro musica allo scopo di conquistare il pubblico e, pertanto, non possono essere classificati come avanguardia. Compositori come John Cage e Harry Partch, al contrario, sono rimasti avanguardisti durante le loro carriere creative.

Una caratteristica di spicco della musica d'avanguardia è quella di infrangere varie regole e regolamenti della cultura tradizionale, al fine di trascendere i principi creativi stabiliti e le abitudini di apprezzamento. La musica d'avanguardia persegue novità nella forma e nello stile musicale, insistendo sul fatto che l'arte è al di sopra di ogni altra cosa; quindi, crea un mondo sonoro trascendentale e misterioso. Suggerimento, metafora, simbolo, associazione, immagini, sinestesia e percezione sono ampiamente utilizzati nelle tecniche musicali d'avanguardia per scavare il mistero del cuore umano e il flusso della coscienza, in modo che molti eventi apparentemente non correlati ma essenzialmente molto importanti si intrecciano a più livelli strutture e forme.

Musica popolare

La musica popolare, per definizione, è progettata per un fascino di massa. Gli anni '60 videro un'ondata di sperimentazioni d'avanguardia nel jazz, rappresentate da artisti come Ornette Coleman, Sun Ra, Albert Ayler, Archie Shepp, John Coltrane e Miles Davis. Nella musica rock degli anni '70, il descrittore "arte" era generalmente inteso come "aggressivamente all'avanguardia" o "pretenziosamente progressista". Gli artisti post-punk della fine degli anni '70 respingevano la tradizionale sensibilità rock a favore di un'estetica d'avanguardia . Nel 1988 lo scrittore Greg Tate descrisse la musica hip hop come "l'unica avanguardia in circolazione, offrendo ancora lo shock del nuovo".